VAN HALEN

Van Halen, banda estadounidense de rock.
Alex (batería) y Eddie van Halen (guitarra), nacidos en la ciudad holandesa de Nimega e hijos de un músico de jazz, se dedicaron pronto al piano y a la técnica de la composición clásica. En 1968 se mudaron a California y fundaron la banda escolar de hard-rock Mammoth. En 1974 el grupo, ampliado con el cantante David Lee Roth y el bajo Michael Anthony, cosechó sus primeros triunfos locales siguiendo el estilo de Led Zeppelin.
Tras cambiar el nombre del grupo a Van Halen, en 1978 publicaron su primer álbum Van Halen, creando con él la base estilística de sus éxitos posteriores. Las filigranas ágiles e ingeniosas a la guitarra de Eddie y el mordaz espectáculo en escena de Roth convirtieron a Van Halen en estrellas del hard-rock. Sus conciertos llenaban estadios de fútbol y los discos Van Halen II (1979), Women and Children First (1980), Fair Warning (1981), Diver Down (1982) y, sobre todo, 1984 (1984), que contenía el éxito mundial “Jump”, consolidaron su condición de principal banda de rock de la década de 1980. En 1986 Roth abandonó el grupo para dedicarse a una carrera como solista (“Just a Gigolo”, 1985). Con su sustituto Sammy Hagar, Van Halen logró otro éxito pegadizo internacional (“Why Can’t This Be Love?”, 1986), antes de comenzar a decaer lentamente. En 1996, Hagar fue sustituido por Gary Cherone (Van Halen III, 1998).
De 1978 a 1998 la banda editó 11 álbumes (todos ellos estuvieron entre los 20 mejores de Billboard). La banda ha vendido más de 80 millones de álbumes mundialmente . El 13 de agosto de 2007, Van Halen anuncia en una rueda de prensa su nueva gira por Estados Unidos, México y Canadá con David Lee Roth como vocalista y Wolfgang Van Halen en el bajo. En la rueda de prensa se mencionó que piensan dar conciertos alrededor del mundo y que habrá una nueva producción discográfica muy pronto, según fuertes rumores, el nuevo álbum será en vivo, por lo que la banda mira con buenas perspectivas el futuro para goce y disfrute de los fans. A finales del verano, Van Halen se embarcó en una gira de conciertos por Canada, México y Estados Unidos con la participación de su original vocalista David Lee Roth, en la guitarra Eddie Van Halen, en la batería Alex Van Halen y en el bajo el hijo de Eddie, Wolfgang, quien se ha unido a la banda con solo 17 años de edad. La gira inició el 27 de septiembre en Charlotte, Carolina Del Norte, Nevada y se prevé que sean 26 fechas de conciertos por Norte América. Después de este exitoso tour y debido a la gran respuesta del público, Van Halen anunció en su página web que alargará la gira reanudándola en Enero y acabándola el 7 de Abril de 2008 en Milwaukee, de momento seguirá solo por Estados Unidos y contará con casi 30 nuevos concierto. gano un premios Grammy, con el álbum "For Unlawful Carnal Knowledge" en 1991. Van Halen figura en el Libro Guinness de los Récords con la mayor cantidad de Nº 1's en la lista de rock de Billboard. Según la Asociación de la industria discográfica de Estados Unidos, Van Halen es Nº 19 en la lista los artistas que más han vendido jamás (habiendo vendido más de 56 millones de álbumes en EE.UU.).

JYMMY HENDRIX

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;[11] entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California[12] a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.
Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.
Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter.[13] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.[141966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Symour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenia buenas prospectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento.
Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.Había nacido la Jimi Hendrix Experience.
El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el salón bueno de la música de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.
El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido de la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cries Mary; las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el cuál normalmente abrían sus conciertos) y Rock Me Baby de B.B. King.

La consagración estadounidense en el Monterey Pop Festival [editar]
Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.
La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney[15] - a la histórica edición del Monterey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor". La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a mimar actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador.Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.
Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.
La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendría acogido tanto en las exhibiciones en directo del guitarrista como en sus lanzamientos discográficos.

Axis: Bold as Love
El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk, blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en standard en la producción del guitarrista.
El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida.
Sucedió de hecho que Jimi olvidó el master tape ya remezclado de la cara A del disco en el asiento posterior de un taxi, sin ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que los masters originales deberían haber sido entregados poco tiempo después para la impresión del LP; toda la cara A del trabajo tuvo entonces que ser remezclada a partir de los multitrack del bajo en una única noche de trabajo. Hendrix y su histórico técnico Eddie Kramer afirmarían poco tiempo después no estar completamente satisfechos con el resultado.[18]
Hubo otros contratiempos relacionados con el diseño de la portada: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas - refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de norteamerica - vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una portada en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades hindúes Durga y Visnú.
De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol

Electric Ladyland
La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.
La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre teclista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.[20]
No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.
Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.[21]

El final de Jimi Hendrix Experience [editar]
Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.
La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.
La frustración de Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista.;[22] resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismísima Experience.[23] A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para vover a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans.[24] La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.
Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroina en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa.[25] En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

Woodstock y la nueva formación [editar]
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día, su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores pagantes) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.
El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra.[26]
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el por qué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así".
Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.

Muerte de Jimi Hendrix
En 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann , fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de vino. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policías y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.
Jimi Hendrix Muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones

TRIANA

Triana es un grupo musical español de rock andaluz de los años 1970 y principios de los 1980, formado por Jesús de la Rosa Luque (Sevilla) (voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (Puerto de Santa María, Cádiz) (batería y percusión).El propósito inicial del grupo es fundir el flamenco con el rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Vanilla Fudge y los primeros King Crimson. Su disco " EL PATIO " a pesar de no tener casi promoción , tendra un gran exito y contiene 2 canciones miticas: " Abre la puerta" y " El lago". En 1977 sacaran " HIJOS DEL AGOBIO" , un disco comprometido con la libertad en plena transicion tras la muerte de FRANCO. en su siguiente disco " SOMBRA Y LUZ" experimentaran con nuevas musicas.En 1980 conseguiran su unico numero 1 con el tema " TU FRIALDAD". Jesús De la Rosa ,El alma creativa del grupo, muere en un accidente de automovil en 1983, el grupo se deshace. Los otros componentes intentaron resucitar el grupo en los 90 , sin exito.

IRON BUTERFLY

Iron Butterfly es una banda de rock duro y psicodélico estadounidense, conocida sobre todo por su sencillo In-A-Gadda-Da-Vida. Su época de apogeo fueron los últimos años sesenta, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos miembros.
La banda fue formada en 1966 en San Diego y lanzó su primer álbum, Heavy, en 1968. Los miembros originales eran Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry Penrod, Darryl DeLoach y Danny Weis. Todos excepto Ingle y Bushy dejaron la banda después del primer álbum.
In-A-Gadda-Da-Vida, la canción de diecisiete minutos que da nombre a su segundo álbum, se convirtió en un enorme éxito que se pasó alrededor de un año en el Top Ten. (Se dice que Doug Ingle dijo que el título era una versión de «En el Jardín del Edén» pasada por alcohol, aunque esto es probablemente un mito.) Los miembros cuando In-A-Gadda-Da-Vida fue grabada eran Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erick Brann (guitarra). El siguiente álbum, Ball, fue menos exitoso, y estuvo seguido por más cambios en la formación. La banda se separó en 1971. Dorman más tarde se unió al «supergrupo» Captain Beyond.
La banda fue contratada para tocar en Woodstock, pero sus componentes se pelearon en el aeropuerto.
La banda se volvió a formar en 1975 con Ron Bushy y Eric Brann, a los que se unieron el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. Kramer más tarde fue noticia con su desaparición en 1995 y el descubrimiento de sus huesos en 1999.
La famosa formación de In-A-Gadda-Da-Vida se juntó para el concierto y la celebración del cuadragésimo aniversario de la casa discográfica Atlantic, apareciendo en escena junto con los miembros supervivientes de Led Zeppelin, y con Aretha Franklin entre muchos otros artistas de la compañía en 1987.
El 31 de julio de 2003 Erik Brann murió por un fallo cardíaco a la edad de cincuenta y dos años.
En el 2004, el grupo una vez más volvió a juntarse, y organizó una gira con los miembros tempranos Ron Bushy y Lee Dorman

ORQUESTA MONDRAGON

Orquesta Mondragón, formación musical española surgida a finales de la década de 1970 alrededor de la personalidad del showman Javier Gurruchaga.
Nacido en San Sebastián en 1958, Gurruchaga plasma en esta banda, con vocación vanguardista y circense a la vez, sus inquietudes como hombre espectáculo. En 1979 apareció su primer álbum, Muñeca hinchable, cuyos muy variados y originales elementos le granjearon los elogios de la crítica especializada y convirtieron las actuaciones de la Orquesta en un fenómeno popular de gran alcance que en breve crearía una mediocre escuela. La capacidad de Gurruchaga logra aunar sin trauma las colaboraciones de numerosos escritores (Eduardo Haro Ibars, Vicente Molina Foix, Luis Alberto de Cuenca, entre otros) en las letras de sus temas, lo que sostenido por sus singulares cualidades histriónicas, la colaboración de músicos tan dotados como Ray Gómez y Jaime Stinus, y la participación de Popotxo, otro de los componentes históricos de la banda, le proporcionan los atractivos recursos que han convertido su trayectoria en un universo propio. La publicación de "Bon Voyage" (1980) confirma en el tiempo las expectativas generadas en su debut y alcanza su punto más alto en 1986 con la edición de" Ellos las prefieren gordas" Estos 2 discos alcanzarian un exito muy grande llegando a vender más de 100.000 copias cada uno. La actividad frenética que Gurruchaga ha desarrollado en otros campos (sobre todo en cine, televisión y teatro) trasladó desde ese momento a segundo plano la vida de la Orquesta, centrando su andadura en la celebridad de su principal artífice. En 2000, después de varios años de silencio, publicaron "Tómatelo con calma, "un álbum ecléctico con el que Gurruchaga pretendía reivindicar su faceta de músico.

LOS BRAVOS

Los Bravos, grupo español de música pop, el primero en conseguir éxito mundial. Lo lograron en agosto de 1966 con la canción “Black is Black”, que llegó a colocarse en las listas de ventas del Reino Unido, Estados Unidos, Australia y otros muchos países por encima de los Beatles, los Rolling Stones y los nombres más populares del rock, con excepción de Los Troggs, que les impidieron ascender al número uno del Top Ten británico.
Los Bravos se formaron cuando ya Los Brincos y otros grupos españoles habían alcanzado éxitos notables en el mercado discográfico, y su productor, Alain Milhaud, quiso dar el gran salto al exterior. El alemán Mike Kennedy, cantante del grupo, hablaba español e inglés, y pudo cantar en los dos idiomas con soltura. El resto de la formación eran el baterista Pablo Sanllehí, el guitarrista Antonio Martínez, el teclista Manuel Fernández y el bajista Miguel Vicens. Tras el suicidio de Manuel Fernández en 1968, la banda no volvió a repetir un éxito parecido, y se disgregó definitivamente en 1974. Mike Kennedy siguió su carrera en solitario.

LOS BRINCOS

Los Brincos
Los Brincos, fueron a la música pop española lo que los Beatles al pop británico. Incluso quisieron exportar a otros países, como Francia, Italia y la misma Inglaterra, el éxito multitudinario alcanzado en España.
El espectacular y sorprendente éxito de Los Brincos en un mercado discográfico tan raquítico como el español no fue, sin embargo, algo aislado. Desde inicios de la década de 1960 se habían formado los primeros grupos, y los cuatro Brincos (Fernando Arbex, Juan Pardo, Antonio Morales ‘Junior’ y Manuel González) tan sólo aprovecharon el momento perfecto para lanzarse al ruedo con canciones como “Flamenco”. Desde entonces (1964) Los Brincos lograron un éxito tras otro con “Mejor”, “Sola” o “Con un sorbito de champagne”. Aunque Juan y Junior dejaron el grupo en 1966 para cantar como dúo, Los Brincos continuaron su buena racha hasta 1970. En 1996 volvieron a editar un doble CD con nuevas mezclas de sus canciones más clásicas, aprovechando dos discos de homenaje que realizaron varios grupos españoles. Pero este regreso fue más controvertido que otra cosa.

ORCHESTAL MAOEUVERS IN THE DARK

Grupo inglés fundado por Paul Humpreys (teclado principal, y coros) y Andy Mccluskey( voz principal , bajos y teclados). En su sonido hallamos el llamado "synth pop" , aunque también podriamos englobarlos dentro de la "new wave".En 1978 publicaran su primer disco, pero no será hasta 1981 con el album "ORGANISATION" cuando alcancen el exito. Este trabajo contiene su mayor exito :"ENOLA GAY". el sonido de esta banda llega a ser muy original , trasmitiendo en sus sonidos el gris de su Liverpool natal , con unos ritmos electronicos propios . A lo largo de los 80 grabaran discos como "DAZLE SHIPS"," JUNK CULTURE", o "ARCHITCTURE AND MORALITY". Creando exitos como "JUANA DE ARCO" o " SOUVENIR" . Entrara Malcon Holmes para sustituir A Humpreys. A lo largo de los 80 su sonido se ira volviendo mas comercial y alguno de sus discos venderan hasta 1000.000 de copias. En 1989 Mccluskey se apoderara del nombre, y refundar el grupo durante los 90 con poco exito.

Con el motivo del 30 aniversario de " ENOLA GAY" hicieron una gira. otro grupo que no sabe que cualquier tiempo pasado fue mejor.

CREAM

Cream (o The Cream) fue una banda de rock británica de los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres power trios y supergrupos de la década. Estaba formada por Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y como vocalista, y Ginger Baker en la batería.
Esta formación dio lugar a una de las más vitales y efectistas bandas entre 1966 y 1968. Cream es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock en un estilo denominado entonces música undergroundSu primer sencillo, Wrapping paper, fue un adelanto de su sonido, plenamente configurado en el siguiente, I feel free. Su primer álbum, Fresh Cream, resultó toda una innovación, y el siguiente, Disraeli Gears, fue declarado disco del año en muchos países (1968)A lo largo de 1968, Cream irrumpe con éxito en Estados Unidos con una gira. Su doble álbum Wheels on fire se considera su obra cumbre, conteniendo un albúm de estudio y otro en vivo durante una actuación en el mítico Filmore East de San Francisco. Pero la magnitud del grupo y las presiones externas minaron la estabilidad del trío. Eric Clapton declara tras escuchar el disco de The Band Music from the Big Pink que la fórmula de Cream estaba ya obsoleta para él: "Al escuchar la grabación de The Band comprobé que Cream estába totalmente pasado de moda". Los músicos piensan que es mejor retirarse en plena gloria, y el 26 de noviembre de 1968 dan su concierto de despedida en el Royal Albert Hall de Londres. El concierto es filmado y grabado. De ahí surgen una película y el último álbum "Goodbye".

GWENDAL

La banda se forma en 1972 por iniciativa de Youenn le Berre y Jean-Marie Renard. El primer álbum no se hizo esperar, y salió a la venta en 1974 con el nombre de "Irish Jig". Desde el primer momento se puede apreciar que este grupo cuenta con una gran multiplicidad de influencias, desde la música tradicional irlandesa hasta el rock pasando por el jazz y la música clásica.
El éxito fue rotundo en cuanto a crítica de medios especializados y en cuanto a venta, lo que lleva al grupo a publicar su segundo LP tan solo un año más tarde con el título de "Joe can't reel". En ésta obra se produce la primera aparición del violín eléctrico de Robert Le Gall, y cuenta con las ilustraciones de Claire Bretécher.
A finales de este año Gwendal incorpora la batería a sus composiciones, con el músico Arnaud Rogers. El tercer LP, "Rainy day", contaba con ilustraciones de Bilal. El cuarto trabajo, "4", sale a la venta en 1979 y es el que más cercano está al rock progresivo y al jazz.
A comienzos de los años 80 Gwendal publica su primer disco en directo, grabado en un concierto dado en Madrid -lo cual denota la buena acogida que tiene la formación gala en España-. La evolución del grupo es tremenda, y en este periodo hay algunos cambios. Jean-Marie Renard deja de lado el apartado musical y se convierte en el manager del grupo, siendo reemplazado por François Ovide. Además, Paul Fort entra en el combo para hacerse cargo de los sintetizadores, mientras que Pascal Sarton toma las riendas del bajo. También el batería es sustituido, por David Rusaouen.
Tras todos estos cambios el sexto disco de Gwendal, "Locomo" (1983), tiene unos aires algo diferentes. "Danse la Musique" sigue con esa dinámica, y más aún tras el cambio de Robert le Gall, que deja el violón en favor del bajo. En 1989 publican "Glen River", que ofrece unas influencias muy setenteras y que obtiene el premio de la Academia Charles Cros.
El próximo disco tardaría seis años en llegar, y "Pan Ha Diskan" (1995) da un giro radical con la inclusión de instrumentos y ritmos africanos e indios. A partir de aquí Gwendal entra en un periodo de reposo en el que sus miembros darán rienda a proyectos más personales y trabajarán por separado. Sin embargo, el grupo, por su acogida en territorio español, sigue manteniendo cierta actividad. Así pues, en 2003 hay una vuelta a la actividad con la inclusión de Ludovic Mesnil y Dan Ar Braz que se materializa en 2005 con el LP "War Raog

GABINETE CALIGARI

Gabinete Caligari fue un grupo de rock español, integrado dentro de la corriente conocida como Movida Madrileña, y que tuvo una extensa y relativamente exitosa carrera que se prolongó durante 18 años, dando como resultado un total de 8 LP, dos recopilatorios oficiales y diversos singles pertenecientes a sus primeros años.
Se forman en 1981 por Jaime de Urrutia (voz y guitarra), estudiante de filología semítica, y Fernando "Ferni" Presas (bajo) y Eduardo "Edi" Clavo (batería), estudiantes de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Previamente habían militado en Ejecutivos Agresivos (Jaime) y en Ella y los Neumáticos (Edi y Ferni) pero, influenciados por el afterpunk británico, y por la personalidad de Eduardo Benavente, se adentraron en sonidos más oscuros que los que se solían tocar en la época.
En su época afterpunk su imagen y actitud tenía un marcado carácter provocativo y sus canciones tenían un contenido que evocaba desde la época de entreguerras, hasta relaciones sadomasoquistas. Temas representativos de esa etapa fueron "Olor a carne quemada", "¿Cómo perdimos Berlín?" o la emblemática "Golpes".
Sus primeros discos se caracterizaron por una reinvención constante. De esa forma, hacia 1983 inauguran una nueva corriente que fue bautizada como 'Rock Torero'. Se trataba de pop influenciado por sonidos cañís (del folclore español), tales como el pasodoble. Esta influencia ya se deja notar en su primer álbum, en el que se mezclan canciones oscuras como "Héroes de la URSS" o "Grado 33", con otras de esta nueva hornada: "Sangre Española" o "Que Dios reparta suerte". Esta mezcla de rock con ritmos populares será una máxima en la carrera del grupo, logrando con ella temas tan populares como "El calor del amor en un bar", "La Culpa fue del Cha-cha-cha", "Camino Soria" o "Cuatro Rosas".
Alcanzan su máxima popularidad con Camino Soria y Privado. A partir de ese momento su éxito empieza a decaer lentamente. Ya en los 90, el estilo musical que defienden no recibe el visto bueno del gran público y, a pesar de mantener la calidad, no adaptar el sonido a la escena que se estaba viviendo termina pasándoles factura. Así, en 1999 se disuelve oficialmente el grupo, en parte por la nula atención que los medios habían prestado a sus dos últimos trabajos, Gabinetíssimo y Subid la música. En 2002 Jaime de Urrutia comenzó una carrera en solitario, publicando varios discos. Edi Clavo y Ferni Presas fundaron el grupo Paraphernalia, que se disolvió al poco tiempo, y desde entonces ensayan juntos sin tocar en ningún grupo estable, dedicándose a otras ocupaciones.

YAZOO

El grupo se formó en 1981, utilizando un apodo que Alison Moyet, veterana de numerosas bandas de punk y rock del sudeste de Essex, Inglaterra, había extraído de las etiquetas de viejos álbumes de blues: 'Yazoo'. La otra mitad del dúo, Vince Clarke, había sido fundador y principal compositor de Depeche Mode, con quienes había editado un álbum y tres sencillos para Mute Records, incluyendo los éxitos "New Life" y "Just Can't Get Enough". Clarke -sorpresivamente para muchos- abandonó a Depeche Mode cuando comenzaban a disfrutar del éxito, afirmando que "simplemente no se estaban llevando bien", formando Yazoo con la relativamente desconocida Moyet. Mute Records continuó editando este nuevo proyecto de Clarke.
El single debut de la banda, "Only You", con "Situation" como lado B, fue lanzado en abril de 1982 y trepó al número 2 en el Reino Unido. Clarke había ofrecido la canción como un regalo de despedida para sus antiguos compañeros de Depeche Mode, pero fue rechazada por ellos. Yazoo obtuvo rápidamente otro éxito con su siguiente corte, "Don't Go", que llegó al número 3 en Inglaterra y se volvió popular en los Estados Unidos gracias a la rotación que recibió en MTV el video inspirado en Frankenstein. La racha exitosa continuó con su primer álbum, "Upstairs at Eric's", obteniendo la certificación de platino en Inglaterra. La banda obtuvo críticas farovables por su sonido de vanguardia. Fueron galardonados en 1983 con el Brit como mejor nuevo artista británico. Clarke y Moyet estuvieron brevemente de gira, mientras lanzaban un single, "The Other Side of Love", para llenar la espera por el siguiente álbum.
El segundo álbum del dúo, "You and Me Both", obtuvo mayor éxito, alcanzando la cima de los charts del Reino Unido y dando un single. Sin embargo, el éxito fue afectado por la decisión de Clarke y Moyet de seguir caminos separados.
Con gran influencia de bandas como Kraftwerk, Yazoo expandió la fórmula del synthpop mediante la unión de la voz emocional e influenciada por el blues de Moyet y el sonido electrónico Clarke. Su sonido contenía referencias a la música disco pero le agregaba una actitud más desafectada que el disco no poseía. Su segundo álbum incluyó una mayor presencia en la composición de Moyet, lo que incorporó un sabor más maduro y triste, particularmente en el corte de difusión "Nobody's Diary".
Moyet decidió aventurarse en su carrera solista, firmando un contrato con Columbia Records. Se trató del primer artista en dejar Mute Records. Alcanzó un éxito inicial importante y su carrera, con altibajos, aún se encuentra activa. Vince Clarke grabó un single con el productor Eric Radcliffe (el mismo Eric del título del álbum debut de Yazoo) y el vocalista de los Undertones, Feargal Sharkey, bajo el nombre de The Assembly. Clarke fundó posteriormente el altamente exitoso dúo Erasure con el vocalista Andy Bell.
El dúo ha vuelto a juntarse en 2008 para los escenarios con Reconnected tour, que viene a ofrecer la gira que no llegaron a hacer tras la publicación de su segundo disco. Han actuado en España en el Sónar